¿Cómo es posible que alguien dirija 29 largometrajes, 19 videoclips, sea partícipe en uno de los gags míticos de Los Simpsons y lo único que conozcamos de él sea su nombre? No hay fotos, nadie dice conocerlo y sin embargo tiene todo ese currículum a sus espaldas. ¡Hasta se atrevió a hacer la cuarta parte de la mítica saca Hellraiser! Estimado público, tengo que lanzar la pregunta: ¿Conoce usted a Alan Smithee?

Mucha gente conoce en el mundo del cine el famoso grito de Wilhelm, pero pocos conocen la historia de Alan Smithee. Pues bien, Alan no existe. Es un pseudónimo que tradicionalmente se ha usado en el mundo del cine por directores que, en el último momento, han renegado de su obra. Este pseudónimo ha sido de carácter oficial e interno dentro de la Directors Guild of America (DGA) hasta el año 2000.

Todo comenzó en 1969, en la película “La ciudad sin ley”. Su actor protagonista movió cielo y tierra para que sustituyeran al director inicial -Robert Totten- por Don Siegel. Una vez rodada, ni Totten ni Siegel querían tomar crédito de la autoría del film, así que la DGA decidió atribuir el film al inexistente Alan Smithee.

A continuación tenemos el mítico gag de Los Simpsons. Prestad atención a los créditos finales:

La película “¡Arde Hollywood!” marcaría el final de Alan Smithee. En esta película, Eric Idle interpretaba a un director llamado Alan Smithee que intentaba renegar de una película usando esta fórmula. La película fue un fracaso, y por disputas entre el director y el productor, la CGA decidió que Alan Smithee debía morir. Fue en el año 2000.

Puedes consultar la filmografía de Alan aquí. Todas las películas anteriores al 69 adoptaron como director al señor Smithee en sus reediciones en VHS.

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“MI TRILOGÍA SON JESÚS FRANCO, LOS RAMONES Y EL SURF”

Pablo Cantó Martínez
Quien haya visto Kárate a muerte en Torremolinos o Ellos robaron la picha de Hitler sabrá, de sobra, que no son películas normales. Del mismo modo, Pedro Temboury, mentor de ambos proyectos, no es un director de cine normal y, como no podía ser de otro modo, ésta tampoco fue una entrevista normal. Esperaba a Pedro en una calle de un solo sentido cuando empecé a oír los pitidos de un montón de coches. Un conductor despistado se había parado en medio de la carretera y no dejaba pasar al resto. Tardé un poco en darme cuenta de que el despistado no era aquel conductor, sino yo: a los mandos de ese coche negro se encontraba Pedro, que me gritaba para que subiera.  No era el único a bordo: también estaban su mujer (guapísima) y su hijo. Tras dejarlos en casa, comenzó la entrevista, al tiempo que comenzaba la odisea de Pedro por aparcar en Madrid.

Ésta no es una entrevista normal, es una entrevista al enfant terrible del cine español, aderezada con derrapes, sonidos de cláxones y, una vez aparcados, cerveza. Porque aquella proeza había que celebrarla.

No eres el único miembro de tu familia que trabaja en el cine. ¿Son ellos los que te introducen en el mundillo o viene de otra parte tu vocación?

Todo me viene en cierto modo de mi padre, gran aficionado a la serie B de los años 50. Recuerdo haber visto con él en televisión El hombre menguante, La invasión de los ladrones de cuerpos… y para mí eso fue una experiencia casi lisérgica, un flipe tal que hizo que empezara a acercarme al cine. Sí tengo familia en la industria que siempre me ha echado una mano, pero no ha sido un factor decisivo para dedicarme a esto.

Siendo malagueño, y habiendo grabado tus dos películas en Málaga, ¿qué te hace venir a vivir a Madrid?

Allí es muy difícil trabajar en esto. En Málaga trabajé con Jesús Franco y de vez en cuando hacía cosillas pero no había para ganarse la vida. Me vine a Madrid porque me empezaron a salir trabajos en la televisión digital y aquí me quedé. Ahora mismo trabajo en Canal +.

Has nombrado a Jesús Franco, con el que empezaste a trabajar como ayudante de dirección ¿Cómo empieza tu relación con él?

Bueno, yo siempre he sido un fanático de sus películas y lo conocí en persona en el Cinema Jove cuando estaba presentando mi cortometraje Psycho-lettes. Allí le presenté mis respetos y le dije que para su siguiente película me llamara, que yo le llevaba los cafés o lo que hiciera falta. A los tres meses me llamó para decirme que iba a rodar en Málaga y que si le podía echar una mano. Yo acepté encantado y cuál fue mi sorpresa cuando descubro que no sólo iba a llevar los cafés… ¡Iba a ser su ayudante de dirección y jefe de producción! Todos mis colegas que andaban por allí haciendo cortos se pusieron a trabajar en cine de la mano de Jesús Franco, que además para mí es como si trabajas con los Ramones, no sé… mi trilogía son Jesús Franco, los Ramones y el surf, así que te puedes imaginar.

“La academia hizo conmigo lo que han hecho tantos años con Jesús: no hacerme ni caso”

Tú le ibas a dar el Goya Honorífico a Jesús Franco en la gala del 2009 y hubo problemas, ¿qué ocurrió?

Pues que me ningunearon totalmente. ¡Me hicieron la trece-catorce! (risas). No, por lo visto hubo un lío porque un regidor  me dio el paso antes, pero yo creo que cuando vieron que tenían a Santiago Segura pensaron “joder, Santiago es más importante, lo conoce más la gente… y éste no deja de ser un pobre friki que hace pelis con un presupuesto de mierda y no lo conoce ni su madre, así que… que salga y se lo dé, pero que no se note”. En cierta manera yo creo que la academia hizo conmigo lo que han hecho tantos años con Jesús: no hacerme ni caso… así que hay que mirarlo por el lado bueno, ¡a lo mejor a mí también me acaban dando el Goya honorífico! (risas).

Has citado el bajo presupuesto de tus películas. Kárate a muerte en Torremolinos, por ejemplo,  tuvo 6000 euros de presupuesto. Por este motivo a  tus películas se las ha etiquetado de “serie Z”. ¿Incomoda o enorgullece?

¡Enorgullece! Porque no es sólo el presupuesto, es el tiempo que tenemos para rodar: Kárate a muerte la rodamos en 12 días, La picha de Hitler en 19… Son películas que haces por amor al arte, porque te gusta. Me hace gracia la gente del cine de alfombra roja, es muy fácil trabajar en esto cobrando 3000 euros a la semana. Nosotros, técnicos, actores… montamos una especie de cooperativa y después, si hay beneficios, los repartimos. Mientras, curramos más de una semana de sol a sol. Eso es lo que yo creo que es amor al cine, no a la falacia del dinero y al aburguesamiento de esta industria.

Pedro Temboury (derecha) y un servidor, practicando artes marciales.

Y esta etiqueta de serie Z. ¿La consideras una seña de identidad tuya o más bien algo circunstancial debido a los medios de los que dispones?

En mi caso ese tipo de cine es algo que me gusta desde pequeño y por ello cuando hago películas me gusta  transmitir su espíritu: ganas de divertir, rollo adolescente y, sobre todo, cachondeo, que es lo que se pierde en el cine actual. Al haber tanto dinero de por medio no se pueden hacer locuras y todo se piensa mucho, demasiado.

Pero, si tuvieras medios, ¿te gustaría emprender proyectos de mayor envergadura?

Por supuesto. A mí me encantaría, por ejemplo, en vez de tener que rodar en mis vacaciones y montar los fines de semana por la noche, pues hacerlo cobrando, ¡eso sería un hito! (risas)

¿Tienes pensados futuros proyectos?

Sí, tengo un par: uno se llama Cuidado, fantasmas, una película rollo los Goonies, pero con ouijas y un chaval al que le posee el espíritu de Beethoven; y otro que se llama Monopatín diabólico que va sobre un monopatín que posee al rider que lo monta. Una especie de Fausto: si le das sangre al monopatín él te llevará a los cielos de las rampas.

“No es que haya influencia del punk rock en mi cine, es que están unidos”

Tus películas tienen un aire punk-rock muy característico. ¿Hay una influencia real entre este tipo de música y tu cine?

Totalmente. En cierta manera soy un músico fracasado, tocaba en grupos de punk rock en Málaga pero se me daba bastante mal la guitarra y por eso me puse a hacer cortos con mis amigos. No es que haya influencia del punk rock en mi cine, es que están unidos. Por ejemplo Ellos robaron la picha de Hitler está basada en una canción, Pyscho-lettes viene de mezclar la palabra psycho con el rollo Ronettes,  hay veces que me inspiro con canciones de los Cramps…

¿Y la banda sonora de Kárate a muerte?

En ese caso fue Jorge Explosion, gran amigo, el que hizo… ¡la banda sonora  definitiva! Si hay algo de lo que estaba orgulloso cuando estaba editando Kárate a muerte era de contar con esa banda sonora, yo sabía que a la gente que le gustara ese rollo le iba a encantar.

Ellos robaron la picha de Hitler, ¿tuvo buena acogida en cines?

Sí, fue muy positivo. La única putada es, como siempre, la distribución. La película llevaba grabada desde 2006 y se estrenó el año pasado así que imagina… simplemente pensábamos sacarla en dvd e interesaba estrenarla en cines, y se estrenó con dos copias, que no es nada realmente.

Ese problema de distribución con Kárate a muerte en Torremolinos se solucionó estrenando la película en Internet. De hecho creo que fue la primera película española estrenada en la red.

No estoy seguro de que fuera la primera, pero sí, fuimos un poco pioneros. La idea surgió del productor y de un miembro del equipo de Ya.com. Fue una forma de que la gente empezara a oír hablar de la película a pesar de que ni yo la rodé pensando en estrenarla así ni creo que el ordenador sea el mejor sitio para verla, y más cuando se descargaba un minuto nuevo de película a la semana. Pero bueno, sí era una forma de que se fuera hablando de la película y hubiera un grupillo de gente interesada, que era bastante importante.

Algo que llamó la atención con Ellos robaron la picha de Hitler era la disparidad de la crítica. Jordi Costa, en El País, dijo que era “enérgica” y que “la mayoría de gags hacen diana”; y Francisco Marinero, en El Mundo, que era una “farsa voluntariamente infame y cochambrosa”. ¿Qué te parece esa falta de unanimidad?

Yo estoy encantado, ¡y en el caso de Kárate a muerte la tacharon de “peor película estrenada en un cine español”!. En serio, a mí eso me gusta porque realmente son películas que las amas o las odias; es más, creo que las películas que todos los críticos suelen poner bien son, en cierta manera, mediocres porque están hechas para una masa uniforme, para todos los gustos. Lo nuestro no. Nuestro cine está hecho para gustos exquisitamente asquerosos.

“¡Más alto! ¡Más alto!”. Con esas palabras hacía el abuelo Simpson notar que estaba más sordo que una tapia. Hoy vamos a hacer una pequeña reseña sobre ese sonido particular que Abraham Simpson no podía oir bien. Recordemos la escena:

Si sois aficionados al cine, seguro que ese sonido os resultará más que familiar. Se proyecta en las salas que cuentan con la tecnología y pueden proyectar (y proyectan) películas en THX. ¿Qué es el THX, os preguntaréis? Permitidme que cite la Wikipedia:

El sistema THX no es una tecnología de grabación, y tampoco es un formato de sonido; [...]. THX es más bien un sistema de control de calidad. Si un productor de sonido dice que su película está en THX, significa que la banda sonora de dicho film se escuchará exactamente igual que en el momento de su creación, indicándose en los cines y carátulas de la película el logotipo certificador de THX.

Este sistema fue creado por un empleado de LucasFilm, Tomlinson Holman, para el episodio de Star Wars “El retorno del Jedi”. Lo que se pretendía conseguir eran unas condiciones óptimas de sonido para la película. Hoy por hoy, es un estándar dentro de la industria del cine.

El post de hoy gira en torno al sonido que avisa al principio de la película del mentado sistema THX.

Andy Moorer

Este simpático señor que toca su banjo es el padre de tan estruendoso sonido. Se trata de Andy Moorer y en su haber cuenta con cuatro patentes y un Óscar por ser pionero en utilizar sistemas digitales de sonido en el cine. En los sesenta estuvo trabajando en Stanford en sistemas de Inteligencia Artificial, en los 70 en el IRCAM de París y en los ochenta trabajó en LucasFilm, para luego unirse a Steve Jobs en NeXT. También ha pasado por Adobe y Pixar. La característica sintonía del THX fue creada por él en 1982, y se llama ‘Deep Note’, literalmente ‘Nota profunda’. El creador del sistema THX le encargó hacerla, y le pidió ‘algo que parece que viene de alguna parte y se convierte en algo muy muy grande’. A Andy le gusta decir que su ‘Deep Note’ es el sonido generado por un ordenador más reconocido alrededor del mundo. 4000 veces al día suena en distintos puntos del globo, lo que significa una vez cada 21 segundos.

Con el video de Los Simpsons parece que no ha sido suficiente, al menos para mí, así que me gustaría invitaros a escuchar el sonido original en alta definición. Subid el volumen y preparaos para la hecatombe:

Con un sistema de sonido bueno o unos auriculares decentes se oye de lujo, os lo aseguro.

Durante mucho tiempo se especuló con qué equipamiento se había hecho el sonido de marras, pero el mismo Andy atajó aclarando que había sido con un procesador de sonido a gran escala que habían construido en LucasFilm. Andy hizo varios programas para que ese procesador se comportara como un sintetizador enorme. Usó como onda de base para los osciladores la de un violoncello.

Tras la sintonía no se esconde instrumento alguno, sino unas 20.000 líneas de código en el lenguaje C. Esas lineas producían unas 250.000 órdenes para el sintentizador que se traducían más o menos en un “pon la frecuencia de X oscilador a Y Herzios”.

Lo curioso de ese programa es que incluía ciertas variables aleatorias, condicionadas por la fecha y la hora, lo que hacía que cada vez que enviaban una pieza al sintetizador, esta fuera algo distinta a la anterior. Esto casi provoca la pérdida del original del sonido, ya que después de estrenarse ‘El retorno del Jedi’, LucasFilm perdió la original y le pidieron a Andy que recreara la pieza de nuevo. Por esos factores de aleatoriedad, el sonido obtenido era siempre ligeramente distinto y provocó quejas en LucasFilm. Afortunadamente, Andy encontró una copia del original, y es la que ha sobrevivido hasta nuestros días. En 1986, el sintentizador gigante original fue vendido y nunca más se supo.

Es curioso como algunas cosas pequeñas esconden detrás pequeños atropellos e hitos tecnológicos.

Fuentes:

• MusicThing
• Jammin’ Power (Web personal de Andy Moorer)
• Wikipedia

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Actualización: Magic añade más información sobre el sistema THX en su comentario:

Faltó decir que toma su nombre THX del primer film de Lucas: THX 1138, producido por Coppola y protagonizado por Robert Duvall, basado en un corto de Lucas de gran éxito y con múltiples premios. Y como curiosdidad, decir a su vez que el nombre del film THX 1138 está inspirado en el número telefónico de Lucas cuando vivía en San Francisco.

JuanOscar hace lo propio:

El THX no solo implica al sonido, para que un cine cumpla los requisitos THX, además tiene que tener ciertas “comodidades” en el recinto, como que haya un numero determinado de puestos de palomitas y de Coca-Cola… Esta todo medido hasta el ultimo milímetro.

El pasado viernes se estrenó en nuestro país El Imaginario de el Doctor Parnassus, el nuevo trabajo de Terry Gilliam, ex-Monty Python que en su faceta de director se ha ganado detractores y admiradores a partes iguales.

La película, que tristemente ha levantado más expectación por ser el trabajo póstumo de Heath Ledger que por la obra en sí, nos presenta al Doctor Parnassus, que trabaja con su hija (Valentina) y dos empleados en una barraca de feria en la que los visitantes pueden entrar en la imaginación del Doctor y ver sus sueños hechos realidad. Sin embargo no todo es tan bonito como puede parecer: el negocio no funciona nada bien, no siempre es fácil volver de los sueños de la mente del Doctor y, para colmo de males, éste perdió una apuesta con Mr. Nick (que se podría decir que es la antítesis de Parnassus) y debe entregarle a su hija cuando cumpla los dieciséis años. A pesar de todo la situación parece mejorar cuando Mr. Nick le propone una nueva apuesta para recuperar a su hija y rescatan a un hombre a punto de morir ahorcado (Tony) que se propone ayudarles a ganar la apuesta y relanzar el negocio.

Bajo este planteamiento, Gilliam nos ofrece un espectáculo visual sin parangón en el que contrastan la belleza y colorido de las imágenes oníricas de la mente de Parnassus con las de la realidad, muy sobrias y en la mayoría de los casos oscuras y tristes. Si hay algo innegable en este director, y que podemos observar desde sus trabajos en las animaciones de los Monty Python, es que le sobra imaginación para crear universos surrealistas y complejos, y creo que las secuencias fantásticas de esta película son el ejemplo por antonomasia. El problema surge cuando esa complejidad contagia al resto de la obra y ésta se vuelve incomprensible, que es lo que más se ha criticado del film. Sin embargo, y desde mi punto de vista, el argumento no es tan enrevesado como se comenta ni es tan complicado de seguir como pudiera parecer. De hecho, pienso que es un punto a favor de Gilliam que se atreva a darnos un argumento como éste, alejado de la simplicidad hollywoodiense y en el que no todo está masticado, dejando espacio al espectador para que divague y razone por sí mismo.

En lo referente al reparto creo que es necesario destacar algunos nombres: por un lado, el cuarteto formado por Heath Ledger, Johny Depp, Jude Law y Colin Farrel; que encarnan al mismo personaje, Tony. Para el que no lo sepa, tras la muerte de Ledger, que en un principio iba a ser el único actor en el papel, Gilliam decidió que no lo sustituiría por uno si no por tres actores, de modo que cuando Tony entra en la mente de Parnassus su aspecto físico cambia. De este modo pudieron mantener el metraje ya grabado antes del fallecimiento del actor y conseguir un resultado fascinante, pues el juego encaja a la perfección en la película y los cuatro actores están muy acertados en el papel.
Por otro, Lily Cole, la actriz en el papel de Valentina. Si bien poner su interpretación al nivel de los otros actores ya citados sería una desfachatez por mi parte, me atrevería a decir que es de lo que más me ha gustado de la película. ¿Y por qué? Pues porque me enamoró. Su papel de niña ingenua con un toque de femme fatale y su exótica belleza consiguen hechizar a la cámara hasta el punto que desearías que se parara la secuencia sólo para poder mirarla un rato más.

Después de haber escrito todo esto creo que me habréis calado: sí, yo soy de los que admiran a Gilliam, y tal vez por eso no puedo ser del todo objetivo. Que la película no es una obra maestra es un hecho: la ya citada complejidad puede jugar una mala pasada al que no vaya muy despierto al cine (si bien es mucho más sencilla que otros de sus trabajos) y en algunos fragmentos el ritmo se ralentiza más de lo deseado; pero incluso con esas creo que es de las películas que mejor sabor de boca me han dejado este año. ¡No perdáis la oportunidad de verla en cines!

Mucho ha llovido desde que publiqué en este foro la entrada titulada “Remakeando pesadillas“, en la cual trataba de comentar punto por punto los detalles que me hacían confiar en el cada vez mas cercano remake del clásico de terror “Pesadilla en Elm street” ( Wes Craven 1984 ). Si bien en un principio la palabra “remake” unida al nombre de “Michael Bay” me echaban un poco para atrás desconfiando del proyecto, tras saber que éste estaría dirigido por Sam Bayer, con un guión de Wesley Strick ( El Cabo del miedo, Aracnofobia… ) y con Jackey Earle Haley en el papel de Fred Krueger… mis expectativas mejoraron considerablemente. Y mas aun cuando el equipo dejó bien claro que tratarían este reinicio de la saga desde un punto de vista mas oscuro, siniestro, onírico y cruel…

Pues bien, hace un par de dias salió el primer teaser trailer en Myspace ( el cual ha batido records llegando a ser el video mas visto de dicha página… ) y sin duda, la película de Samuel Bayer parece haber superado la primera prueba de fuego,  mostrandonos lo que al parecer se prometió desde un primer momento… sin mas dilación, os dejo con dicho trailer en alta definición:

Muchos de vosotros sabréis (y para el que no ya lo sabe ) que me gustan mucho los falsos documentales y por ello me animé a dar una pequeña charla en el Aburridos acerca de este subgénero cinematográfico. He decidido plasmar aquí lo que más o menos preparé para la ocasión porque me parece interesante y así evito que se me olvide, espero que os guste:

1. DEFINICIÓN
El falso documental es un subgénero cinematográfico que, siendo puramente ficticio, utiliza las estructuras y los recursos del documental para parecer verosímil o incluso real. El género en el que se encuadra es la comedia, y no porque el falso documental tenga que ser necesariamente humorístico, si no más bien porque es una mofa o burla. ¿De qué se mofa? Pues principalmente de dos cuestiones: por un lado, se mofa del documental tradicional, tan anquilosado e inamovible y que tantas siestas nos ha ayudado a echar.  Por otro lado se ríe de la sociedad actual, tan escéptica con los medios de comunicación (y no sin razón).
De este modo el falso documental se construye cogiendo una historia hilarante e imprimiéndole el mayor grado de verosimilitud posible, de modo que su credibilidad se pueda poner en duda y se cree un juego de complicidad con el espectador. Hay falsos documentales tan reales que hay gente que todavía piensa que son reales , como Operación Luna, que sostenía que Kubrick había dirigido el montaje de la llegada a la luna de los americanos.

Operación Luna

2. HISTORIA
2.1 Pioneros
Aun sin pretenderlo, los grandes pioneros del falso documental fueron:

-Frederick Cook: Frederick Cook fue un explorador estadounidense que durante toda su vida defendió que llegó al Polo Norte un año antes de que lo consiguiera el que los historiadores consideran que fue el primero que logró tal hazaña, Robert Peary. Para demostrarlo creo una reconstrucción de su supuesto viaje que puede considerarse el primer falso documental de la historia (The Truth About the Pole, 1912).  (Nota: por si tenéis curiosidad, podéis descargarla aquí)

-Orson Welles: Supongo que todos conocerán la historia de lo que ocurrió en Estados Unidos cuando Orson Welles representó, vía radiofónica, un fragmento de La Guerra de los Mundos (en 1938). Más de un millón de radioaficionados creyeron que realmente los alienígenas habían conquistado la tierra y Estados Unidos fue presa del pánico durante las horas posteriores. Welles demostró así el poder de persuasión de los medios y la credibilidad que podía llegar a tener una historia de ficción si se utilizaba correctamente.

Orson Welles

2.2 Evolución y actualidad
Si bien hay muchas obras anteriores a los 80 que pueden considerarse falsos documentales, como las obras de Peter Watkins, el falso documental no se consolida como subgénero hasta mediados de esta década. En estas fechas es también cuando se bautiza al género como mockumentary (mock=broma). El término lo utiliza por primera vez Rob Reiner para referirse a su película This Is Spinal Tap, un falso documental sobre una banda de rock al que nos referiremos posteriormente. A partir de este momento empiezan a surgir gran cantidad de obras de este subgénero que si bien nunca han gozado de una gran cantidad de público, en la actualidad está popularizándose gracias a películas más comerciales como Borat y Bruno de Sacha Baron Cohen o la recién estrenada en Estados Unidos District 9 (se estrena en nuestro país este viernes 11 de septiembre), producida por Peter Jackson.

(En la próxima entrega:  “Mockumentaries: clasificación”)

El Cosmonauta es un proyecto de película ideado por Riot Cinema Collective que utilizará internet para su creación, distribución y edición, pues se creará bajo licencias Creative Commons para que todo el que lo desee pueda copiar, modificar y distribuir la película.

Lo que más me ha llamado la atención ha sido uno de los modos de financiación de la película, llamado crowfunding: todos podemos ser productores de la película  por dos euros (o más, si se desea). Todo el que se haga inversor recibirá un “welcome pack”  con una chapa de la película, pegatinas y un certificado firmado y sellado que te acredita como director y entra en el sorteo de un traje espacial de los que se utiliza en la grabación del film. Además tendrás el honor de aparecer en los créditos de la película. Si esto te parece poco y, además eres emprendedor, puedes hacerte inversor del proyecto por 1000 euros, y participar así de los beneficios de la película. Además, tienen una tienda online muy chula y todo el dinero que gastas lo aportas también para la producción.
Éste sistema me recuerda en parte al utilizado por el Partido Comunista Francés en el periodo de entreguerras para la producción de largometrajes, en el que antes de empezar la producción se creaban participaciones a modo de sociedad anónima (por dos francos, curioso paralelismo) y luego esas participaciones daban derecho a asistir al estreno de la película. También usan un sistema parecido artistas como Swanfyahbwoy , que permite comprar el disco antes de su producción para poder crearlo así de forma independiente y, una vez editado, te lo manda por correo en una edición especial.
Pero bueno, sigamos hablando de la película…

El argumento es el siguiente:
El Cosmonauta es una historia que habla sobre el recuerdo.
Incluso sobre aquellos recuerdos que nunca existieron.
Octubre de 1975. Stan se prepara para ser el primer cosmonauta ruso en la Luna.
Andrei, su amigo desde la infancia, dirige la misión.
En los tensos días antes de la partida, Stan piensa en Yulia, la mujer de Andrei. Y ella en él, mientras ultiman los detalles de la misión. Están unidos desde hace años en un doloroso silencio. Apenas dos días después de despegar, la nave pierde toda comunicación con la Tierra. Durante siete meses, Andrei lo busca día y noche.
Sin resultado.
Un día, la nave vuelve a la Tierra. Cuando cae, no hay rastro del cosmonauta.
El desconcierto aumenta cuando comienzan una serie de transmisiones de radio: Stan habla desde un lugar desconocido. Dice haber vuelto a la Tierra, y haberla encontrado vacía. Los delirios de Stan, prisionero en un mundo imposible, van provocando trágicos cambios en la relación de Andrei y Yulia. Mientras ella no puede despegarse de la radio, en la que el cosmonauta habla continuamente de imaginarios paraísos donde comparte con ella la vida que soñaba, Andrei se convierte en un extraño en su propia casa, habitada por la voz fantasmal de un antiguo amigo declarado muerto hace meses.
Poco a poco, se va configurando un extraño y peligroso triángulo.
Finalmente, se produce el reencuentro.

(Podéis leer el borrador del guion aquí, aunque yo personalmente prefiero esperarme a descubrirlo en la película)

A mí personalmente el punto de partida me ha encantado, me parece muy original, mágico. Además utiliza una forma barata y sencilla de hacer ciencia ficción, similar a la que hacía Vigalondo en Los Cronocrímenes (¿Por qué hacer una película de viajes en el tiempo donde se viaje a épocas distintas pudiendo viajar una o dos horas en el tiempo sólamente?) , haciendo una historia inquietante de viajes espaciales pero contada desde la tierra, reduciendo así de forma significativa los gastos de producción. Además, ¿puede haber algo más molón que una peli de comunistas y viajes en el espacio? Difícilmente xD (Bueno, tal vez una de nazis-comunistas y viajes en el espacio, pero eso lo dejamos para otro día).

El equipo:
Como dijimos al principio, la película es una iniciativa de Riot Cinema Collective, y su núcleo duro está a la cabeza del proyecto. El encargado de la dirección y el guión es Nicolás Alcalá, colaborador habitual del director argentino Eduardo Milewicz y el coach actoral Bob McAndrew. También ha escrito varios guiones de largometraje, entre ellos, “Noches Transarmónicas”, con Velasco Broca y Nacho Vigalondo. La segunda al mando es Carola Rodríguez, que se encarga de la producción, y Bruno Teixidor que dirijirá al equipo creativo.
(Podéis conocer a los demás miembros del equipo pinchando aquí)
Yo personalmente no conozco a ningún miembro del equipo pero eso realmente me alegra. Que el cine español necesita sangre nueva es un hecho, y si están interesados en la ciencia ficción, mejor todavía. Habrá que seguir de cerca la trayectoria de estos muchachos tan emprendedores.

El cine, de todos y para todos:
Una vez finalizada la película se estrenará de forma totalmente gratuita vía internet en formato HD. Además, todos los elementos de la películas funcionarán bajo Creative Commons, de modo que puedes desde distribuirla a tu antojo, modificarla, utilizar su banda sonora…
Creo que es una forma muy democrática de hacer cine y de hacerlo llegar a la gente. Si bien considero que la mejor forma de disfrutar una película es en la pantalla grande, creo que no está de más que salgan películas así, pues con el precio de los cines uno no puede permitirse ver todas las pelis que desearía en una sala de cine.

Por último, os dejo dos videos explicativos y la web del proyecto que espero que terminen de animaros a participar en este proyecto, yo ya soy productor.

Web del proyecto:
http://www.elcosmonauta.es/

EDIT: ¡Ah! Y para los madrileños, a finales de este mes se realizarán dos días de conciertos en la Sala Heineken y parte del dinero recaudado irá también a la producción de la película. ¡Nos os los perdáis! Podéis ver el cartel y comprar las entradas aquí.

La semana pasada fui a ver Good como podría haber visto cualquier otra peli de la cartelera, porque la verdad es que el panorama actual en el cine está bastante flojillo… ninguna película me llamaba especialmente la atención salvo Ponyo en el Acantilado, que, evidentemente, tenía horarios infantiles bastante tristes (el último pase era a las 20:00, no comments). Al final nos decidimos por Good porque al menos sale Viggo Mortensen, que te asegura que vas a ver una interpretación, como poco, aceptable. Además de que si una peli que se llama “Good” resulta ser mala es para matar al que le haya puesto el título xD

Bromas aparte fui al cine totalmente “virgen”, no había oído nada de la película: ni bueno, ni malo, ni de qué trataba… y la verdad es que me llevé una grata sorpresa. La película gira sobre la vida de John Halder (Viggo Mortensen), un profesor de universidad en la Alemania de los años 30 que es convocado a las oficinas de propaganda y censura del régimen porque a los altos cargos nazis  (Fuhrer incluído) les ha llamado la atención un libro que escribió tiempo atrás, que trataba sobre la eutanasia (para ser más concretos, sobre un hombre que mata a su mujer enferma porque la ama). El partido nazi le pide su afiliación (que hasta ahora había evitado) para que se una al cuerpo intelectual del partido y que escriba un ensayo sobre el tema que trata su novela. Puesto que sólo tendría que colaborar con el régimen de forma pasiva y este puesto le supondría una gran oportunidad de progresar en su vida profesional, acepta.

Tal vez lo que más me ha llamado la atención de la película y lo que pienso que más hace reflexionar es el ver como un hombre que desde el primer momento nos parece una buena persona, va tomando todas estas decisiones de una forma totalmente coherente y cómo, tras su afiliación al régimen y otras lindezas, sigue pareciéndonos que actúa de forma sensata y sigue siendo, como el nombre de la peli indica, un hombre “bueno”.
Difícilmente el film conseguiría que todos estos cambios se vieran de una forma tan razonable y coherente  si no fueran acompañados de unas grandes interpretaciones, a destacar la de Viggo Mortensen (cómo no, qué grande es este hombre y qué lástima que haya anunciado que se retira del mundo de la gran pantalla) en el papel de Halder; Jason Isaacs, que interpreta a Maurice, amigo de Halder; y Gemma Jones ,  madre de Halder.

Otro punto de la película que se me ha marcado a fuego son los últimos cinco minutos: parece que toda la frescura que le falta al resto del film (con una dirección y una fotografía basantante normalita tirando a vulgar) se han invertido en el final, que no voy a revelar pero que me puso los pelos de punta en todos los sentidos (argumental, visual, sonoro… una pasada, en mi opinión).

Es, resumiendo, una de esas películas que disfrutas tanto cuando estás delante de la pantalla como cuando se encienden las luces y te levantas de la butaca, pues da para pensar  mientras la ves y a posteriori, una vez que has terminado el visionado. A mí me removió bastante por dentro y pienso que toda película que consigue eso vale la pena.

El que haya leido Watchmen recordara ese “metacomic” que leia un chaval titulado Relatos del Navio Negro y que iba desarrollandose de forma paralela a la historia principal. Pues bien, este comic tambien fue adaptado como un cortometraje de animacion para ser incluido en el dvd de Watchmen. Sin embargo ya ha aparecido por internet con una calidad tremenda y en nuestro idioma, os lo dejo para que lo disfruteis (no hace falta haber visto/leido Watchmen para verlo, es totalmente independiente):

Relatos del Navio Negro [DD].

Relatos del Navio Negro [Online].

A mi personalmente me ha gustado mucho, creo que es la parte del comic que mejor han adaptado y, ademas, no se han cortado para nada con el gore de la historia (es bastante dura). Argumentalmente no es una pasada pero hay que entender que dentro de Watchmen esta concebida como la tipica historieta barata de quiosquillo, y hasta con esas me gusta.
Disfrutadlo y espero vuestras opiniones.

¡Ah! Y muchas gracias al Sr. Nublado por los links.

PD.  Por cierto, fijaos en el guiño a Rorschach en la vela de la balsa, muy bueno.

Hace escasos días que termino el rodaje del nuevo proyecto de Tarantino y ya podemos ver el teaser trailer. A mí sinceramente me ha encantado, es una de las películas que más espero de 2009 (por debajo de Watchmen, eso sí).
Os dejo con el tráiler, disfrutadlo:

Teaser trailer Inglourious Basterds

He tenido que editar la entrada porque han borrado el video, pongo este otro, doblado al castellano.